Praça Desembargador Peixotinho

Comédia - Parte 2

2010-01-11T11:28:00.000-08:00

Henri Bergson, autor de O Riso – Ensaio sobre o significado da comicidade, tem uma opinião semelhante à de Aristóteles a respeito da comédia. Para ele, ela é impossível se não houver alguma espécie de bloqueio da empatia, pois “O riso não tem maior inimigo que a emoção. (...) por alguns instantes, será preciso esquecer essa afeição, calar essa piedade. Numa sociedade de puras inteligências provavelmente não mais se choraria, mas talvez ainda se risse” (pág. 3).

“Descreva-se um defeito que seja o mais leve possível: se me dor apresentado de tal maneira que desperte minha simpatia, ou meu medo, ou minha piedade, pronto, já não consigo rir dele. Escolha-se, ao contrário, um vício profundo e até mesmo, em geral, odioso: ele poderá tornar-se cômico se, por meio de artifícios apropriados, conseguirem, em primeiro lugar, fazer que ele me deixe insensível” (pág. 104).

Isso, para mim, fica bastante evidente quando tentam criar produtos cômicos, mas politicamente corretos ao extremo. O politicamente correto, hoje, é o que tem empatia para com tudo e todos e é sensível o suficiente para não expor nenhum tipo de constrangimento. O resultado de um produto assim é que ele nunca é realmente cômico. Não existe comédia sem um pouco de crueldade para com os personagens.

No livro, Bergson também faz outras constatações perspicazes acerca do que é cômico. Por exemplo, não existe comicidade naquilo que não é humano:

“Rimos de um animal, mas por termos surpreendido nele uma atitude humana ou uma expressão humana” (pág. 3)

E, no humano, quando é que há comicidade? Segundo o autor, há comicidade quando há uma espécie de não consciência do próprio corpo, quando uma pessoa parece não fazer parte ou não ter controle de sua própria carcaça:

“Um homem, correndo pela rua, tropeça e cai: os transeuntes riem. Não ririam dele, acredito, se fosse possível supor que de repente lhe deu na veneta de sentar-se no chão. (...) É o que há de involuntário na mudança, é o mau jeito. (...) Teria sido necessário contornar o obstáculo. Mas, por falta de flexibilidade, por distração ou obstinação do corpo, por um efeito de rigidez ou de velocidade adquirida, os músculos continuaram realizando o mesmo movimento quando as circunstâncias exigiam outra coisa. Por isso o homem caiu, e disso riem os transeuntes” (pág. 7)

Ou seja, é o acontecimento mecânico, físico e mundano que causa o riso. O homem tem a tendência a crer que possui algo de mais ‘alto’ do que o físico, algo de mais nobre do que sua carcaça desajeitada. Quando vemos uma situação onde se evidencia a materialidade do corpo, vemos como que o orgulho caindo do altar, e é isso que provoca o riso. E quanto mais aparentemente ‘nobre’ for o personagem e a situação, mais cômico será quando se evidenciar a mecanicidade do corpo. Um padre pregando uma missa que, de repente, espirra. Dois presidentes que se atrapalham durante a transmissão da faixa presidencial. Etc.

FHC passa a faixa presidencial a Lula.

É claro que nem toda comédia é ‘pastelão’. Nem tudo que é cômico se relaciona tão diretamente ao que é físico, mas mesmo quando não se relaciona diretamente, podemos relacionar ao físico ou fazer uma analogia. O ponto central, acredito, é que seja algo aparentemente mais nobre que cai para o mundano de maneira inesperada e fora do controle do protagonista da situação. Então sempre se trata, de uma maneira ou de outra, de um orgulho ferido, um personagem ou uma situação que é reduzida a algo ‘menor’.

“O riso seria indício de um esforço que de repente cai no vazio. Kant já dizia: ‘O riso provém de uma expectativa que se resolve subitamente em nada’” (pág. 63).

Papa-Léguas e Willie E. Coyote.

Aqui podemos, novamente, fazer um paralelo com a bagagem histórica da animação: que esforço é mais vazio do que o do Coiote ao caçar o Papa-Léguas, e que expectativa é maior do que a daquele, mas que sempre se resolve subitamente em nada? E as relações entre a animação e essas noções de comédia não param por aí:

“Ora, a comédia é uma brincadeira, uma brincadeira que imita a vida. (...) Vamos partir, portanto, das brincadeiras infantis. Sigamos o progresso insensível por meio da qual a criança faz seus fantoches crescer, anima-os e leva-os ao estado de indecisão final em que, mesmo sem terem deixado de ser fantoches, eles já se tornaram homens. Teremos assim personagens de comédia. E poderemos confirmar neles a lei que nossas análises anteriores nos permitiram prever (...): É cômica toda combinação de atos e de acontecimentos que nos dê, inseridas uma na outra, a ilusão de vida e a sensação nítida de arranjo mecânico” (pág. 51).

“A comicidade é esse lado da pessoa pelo qual ela se assemelha a uma coisa, aspecto dos acontecimentos humanos que, em virtude de sua rigidez de um tipo particular, imita o mecanismo puro e simples, o automatismo, enfim o movimento sem vida” (pág. 65)

E isso nada mais é do que a animação. O personagem da animação é perfeito para comédia porque dá a ilusão de vida sem que precisemos sentir empatia por ele. Em desenhos animados dos anos 20 e 30, os personagens pareciam feitos de pano e seus membros de mangueiras de borracha (o estilo é conhecido como rubber hose – mangueira de borracha). Ou seja, ao mesmo tempo em que parecem vivos, parecem fantoches, têm algo de puramente físico. A idéia é que a animação pode dar a ilusão de algo realmente vivo apenas para poder transformar essa vida em algo mecânico no momento oportuno para provocar o riso.

Animações no estilo "rubber hose".

Animação Limitada e Layouts.

2010-01-06T12:52:00.000-08:00

Uma animação feita em limited animation não é, necessariamente, uma animação com pouco movimento. Muitas das séries feitas com essa técnica nos anos 70 e 80 tinham problemas que eram normalmente atribuídos a ela, como pouca dinamicidade, personagens muito rígidos, etc. Esses problemas, entretanto, podem ser contornados mesmo quando a técnica de animação é limitada.

Animações limitadas das décadas de 70 e 80

Em seu Blog, John Kricfalusi fala sobre o assunto enquanto comenta o curta “The Dover Boys”, de Chuck Jones:

“This is an early experiment in "limited animation". Once the character hits his pose, his head moves around while he talks and his body stays held - but in very dynamic poses. The way the moving parts look and move is very funny and creative and this separates this kind of limited animation from the kind that most people (even executives) associate with cheap crappy stuff.” (http://johnkstuff.blogspot.com/2009/07/smears-and-poses.html)

Cenas de "The Dover Boys" (Chuck Jones, 1942)

Segundo Kricfalusi, esse curta foi o que inspirou a abordagem dos fundadores da UPA à animação, fazendo desenhos animados utilizando animação bastante limitada, mas mantendo em mente os objetivos principais: entreter e divertir o público. Se só é possível usar poucos desenhos, então é melhor que esses poucos desenhos sejam realmente divertidos.

“If you can't move everything - at least you can make the poses fun and make what does move expressive and funny.”

Por isso é que os layouts tem tanta importância. Layouts são como uma versão mais detalhada do storyboard. O artista de layout deve desenhar todas as poses principais que os personagens farão durante uma cena. Em uma animação limitada, as poses duram um tempo maior, e por isso elas devem ser aproveitadas ao máximo.

Em uma cena de diálogo, as poses nos layouts precisam ser feitas com base na gravação das vozes. Os personagens precisam expressar as inflexões e tons de voz que se ouve, caso contrário o resultado será um boneco inexpressivo na tela com uma voz por cima.

Durante uma ação, as poses precisam ser claras e expressivas o suficiente para passar a intenção do personagem. Tudo isso, segundo John Kricfalusi, é possível em animação limitada, contanto que se dê a devida atenção ao que é importante.

Será nos layouts que se determinará não só a movimentação dos personagens, mas também os enquadramentos e a disposição dos cenários e outros objetos de cena. O que significa que boa parte do ‘estilo’ da obra está nas mãos do desenhista de layout.

Layouts de "Ren & Stimpy"

Influências 3 - As Terríveis Aventuras de Billy & Mandy

2009-07-11T17:57:00.001-07:00

As Terríveis Aventuras de Billy & Mandy (The Grim Adventures of Billy & Mandy) não é diferente das anteriores no quesito contrastes. As personalidades dos personagens são contrastantes entre si: Billy é um garoto muito feliz e pouco inteligente, Mandy é uma menininha completamente niilista e cruel e Puro Osso é a própria morte.

Por ter perdido uma aposta com Billy e Mandy, o Ceifador Sinistro (ou Puro Osso), com toda a sua frieza e aura maléfica, é forçado a se tornar o melhor amigo das duas crianças, convivendo, brincando e sendo torturado por elas para toda a eternidade.

Os contrastes entre as personalidades é evidente. Segundo o próprio Billy “São as diferenças que tornam o nosso mundo tão rico, diversificado e maravilhoso!”, ao que o Ceifador Sinistro responde: “Mesmo assim eu ainda te odeio”.

Billy fala sobre a diversidade.

Assim como em As Trapalhadas de Flapjack, boa parte do humor dessa série vem das diferenças entre a alegria inabalável de Billy e a realidade fria e apática do mundo, inclusive de Mandy e o Ceifador Sinistro. Mas a série não gira em torno apenas de Billy.

Mais interessante do que os contrastes entre eles são os contrastes internos de cada personagem. Mandy, por exemplo, tem a aparência inofensiva de uma garotinha normal, com seu vestidinho rosa e seu cabelo loiro. Mas, por trás dessa aparência angelical há uma alma cruel e indiferente ao sofrimento alheio.

Mandy.

O próprio Billy, que costuma estar sempre feliz e ter uma visão infantil do mundo, por vezes demonstra um certo sadismo típico de crianças, e comete suas próprias crueldades. Mas ele nem mesmo se dá conta de seu próprio sadismo. Nessas ocasiões o contraste entre dois lados opostos da personalidade dele é também uma fonte de humor.

Billy mostra seu lado sádico simulando ataques de monstros com seus brinquedos.

O Ceifador Sinistro também possui suas contradições internas. Ele pretende ser um poderoso e temido ser do além, símbolo da maldade, mas se vê freqüentemente impotente diante das situações e demonstra ser, na verdade, um sujeito patético, fracassado, triste e solitário.

Puro Osso (O Ceifador Sinistro) tentando ser assustador.

Puro Osso mostra pra que veio dançando limbo no Limbo.

Enfim, grande parte do humor é proveniente das diferenças entre o que os personagens são e o que eles parecem ou pretendem ser, inclusive personagens secundários, que são numerosos no desenho – principalmente os que vêm do além. É claro que, sendo a morte e seres do além personagens da série, ela também tem muito de perturbador e de grotesco como meios para fazer humor.

Mr. Snuggles, um hamster com problemas.

Influências 2 - As Trapalhadas de Flapjack

2009-06-25T10:59:00.000-07:00

As Trapalhadas de Flapjack (The Marvelous Misadventures of Flapjack) conta as histórias e desventuras de Flapjack, um menino que sonha em algum dia se tornar um pirata poderoso e viver grandes aventuras. Ele, porém, não tem nenhuma característica que um pirata necessita. Ele não é forte, não é corajoso e, principalmente, não é cruel nem assustador. É uma criança com toda a sua inocência e ingenuidade intactas, que vê o mundo como uma grande brincadeira.

Flapjack mostrando toda sua ingenuidade.

Esse poderia ser o personagem principal de algum tipo de programa educativo, como Os Teletubbies, em que tudo é alegria e brincadeira. Isso se a série em questão tivesse, como um todo, as mesmas características desse seu protagonista, mas não é o caso.

Além dele temos também como protagonista o inescrupuloso Capitão Falanges, a quem Flapjack vê como um herói e ídolo, e a quem ele dá ouvidos invariavelmente e sem nenhum critério. Falanges, é claro, freqüentemente se aproveita da ingenuidade, do grande coração e do pequeno cérebro de Flapjack.

Flapjack demonstrando sua alegria de viver, deixando Capitão Falanges irritado.

Assim como em Ren & Stimpy, As Trapalhadas de Flapjack, série criada por Thurop Van Orman, baseia grande parte do seu humor no contraste entre os protagonistas. A boa vontade e desejo de fazer o bem de Flapjack em contraste com a inescrupulosidade de Falanges, que toma proveito disso e da admiração incondicional que o menino tem pelo Capitão.

Se a série se limitasse aos seus dois protagonistas ainda se poderia pensar que eles se equilibram, que a bondade excessiva de Flapjack se equilibra nessa balança pelo contra-peso da falta de ética de Capitão Falanges. De novo, não é o caso. Quando se coloca na balança também todo o resto do universo da série a balança pende para um lado, e não é o de Flapjack.

Com exceção de Bolhas, a baleia onde moram Flapjack e Falanges e que também faz o papel de ‘mãe adotiva’ de Flapjack, todos os personagens secundários e coadjuvantes pendem mais para o lado do bizarro, do perturbador e do grotesco, de forma que a personalidade de Flapjack se contrasta ainda mais. Dentro desse mundo ele parece ainda mais ingênuo, e sua ingenuidade exagerada é uma fonte inesgotável de piadas.

A baleia Bolhas reconfortando seu filho adotivo, Flapjack.

Alguns personagens bizarros e perturbadores.

Dentro de uma gama bem variada de personagens secundários bizarros está o próprio espaço onde se passa a ação. Ao contrário de Ren & Stimpy, As Trapalhadas de Flapjack tem um espaço e um tempo específicos (mesmo que não exatamente determinados – principalmente o tempo). O espaço é o Porto Tempestade. Um porto que não fica em um continente e nem mesmo numa ilha, mas no meio do oceano. No Porto Tempestade só se encontra piratas mal encarados, feios, sujos e nada amigáveis, freqüentemente embriagados de xarope de caramelo (não há bebidas alcoólicas, os piratas se embriagam com doces).

Porto Tempestade, um lugar estranho.

Enfim, trata-se de um ambiente hostil para nosso amigo Flapjack, mas ele não se deixa abalar pelas adversidades. De fato, na maior parte do tempo ele nem se dá conta das adversidades. Muitas vezes é como um Mr. Magoo que, cego, caminha tranquilamente sem saber que está debaixo de uma construção, e desvia acidentalmente dos perigos e obstáculos – mas a cegueira de Flapjack é causada pela ingenuidade, e não pela miopia.

Esses contrastes são evidenciados não só pelos roteiros, mas também pelo visual da série. A aparência e atitude ‘bonitinha’ de Flapjack, que extrapola todos os limites do piegas, deixa de ser piegas e passa a ser hilária quando se encontra no meio da monstruosidade de todos os outros personagens e até do espaço em si.

Influências 1 - Ren & Stimpy

2009-06-24T10:35:00.000-07:00

As referências e influências costumam ser bastante importantes na realização de praticamente qualquer trabalho artístico (sem em entrar no mérito da questão do que vem ou não a ser arte, mas tomando um significado bastante genérico de arte). É por isso que estudar e analisar obras importantes é um exercício útil e até fundamental para se fazer qualquer coisa no meio audiovisual. Esse caso não é nenhuma exceção.

Listarei e analisarei rapidamente, então, quatro séries de animação que considero algumas das melhores séries de animação nessa linha de estilo das últimas duas décadas. São elas Ren & Stimpy, a série que foi a mais influente na animação americana para a TV na década de 90 e até hoje exerce fortes influências, principalmente nas séries que citarei a seguir; Bob Esponja, um dos desenhos animados de maior sucesso dos últimos anos; As Terríveis Aventuras de Billy & Mandy e As Trapalhadas de Flapjack.

Começando pela série que influenciou todas as outras:

Ren & Stimpy

Qual é o enredo da série? Absolutamente nenhum. Em seu Blog, John Kricfalusi, criador da série, explica que, apesar de existirem aqueles que se apóiam na idéia da ‘arena’ (um espaço ou situação específico, onde os personagens devem interagir), em que os personagens podem ser mais ‘genéricos’, ele prefere se apoiar na personalidade dos personagens e manter-se livre para coloca-los em qualquer situação:

“Personagens que são carismáticos, únicos e interessantes podem se adaptar a qualquer ‘arena’. Personagens clássicos e icônicos apareciam em diferentes situações o tempo todo, e o público nunca questionou isto. De fato eles ficavam ansiosos para ver seus personagens favoritos de novo e de novo.”

(http://johnkstuff.blogspot.com/2008/09/for-karen-what-makes-lasting-iconic.html)

Sua série se apóia puramente em seus dois personagens principais, Ren – um chihuahua psicótico minúsculo, mas com um ego enorme e um temperamento explosivo – e Stimpy – um gato grande, gordo, muito feliz e, digamos, com graves deficiências cognitivas. Personagens que em cada episódio estão em uma situação diferente, em um espaço diferente e talvez até em uma época diferente, como nos antigos curtas de animação da Disney, da Warner e da MGM.

Ren & Stimpy em três episódios e situações diferentes: Futuro no espaço, documentário sobre a natureza; conto de fadas.

Então você tem esses dois personagens e você pode coloca-los em qualquer situação que você quiser, e o que acontece? Eles saem por aí desvendando mistérios? Combatendo o crime? Talvez cometendo crimes? Ou educando as crianças com valores morais e cidadania? Bom, pode ser qualquer uma dessas coisas (menos a última).

Só é preciso assistir a um episódio qualquer dessa série para perceber que eles podem fazer qualquer coisa, menos ser politicamente corretos. Grande parte das piadas, assim como nos clássicos da animação de antigamente, são baseadas puramente na violência física: um tapa, um murro, um escorregão, uma paulada, um cofre que cai sobre uma cabeça.

Ren & Stimpy, porém, foi importante por adicionar a violência psicológica como fonte de humor pastelão. Ren é um cãozinho neurótico e psicótico, que está sempre agredindo seu melhor amigo Stimpy de todas as maneiras possíveis. Não é por menos, já que Ren se considera o modelo de inteligência (e de qualquer outra coisa) e não suporta ver as idiotices fúteis que Stimpy costuma fazer. Mesmo sofrendo freqüentes ataques, porém, Stimpy raramente se aborrece com Ren. Seu minúsculo cérebro e seu grande coração não são capazes de guardar rancor por muito tempo.

Essa relação consideravelmente doentia é a principal fonte de piadas e de enredos (que geralmente acabam caindo em uma forma meio perturbadora de nonsense). Nos extras dos DVDs das primeiras duas temporadas da série (nas quais John Kricfalusi ainda trabalhava na série – as temporadas seguintes foram feitas sem sua participação) há alguns episódios com comentários dos realizadores. Kricfalusi comenta, a respeito do episódio “Stimpy’s Invention”:

“Bob Camp fez o storyboard, e era realmente engraçado, e nós mostramos a eles [os executivos do estúdio] e eles não gostaram. A Nickelodeon odiou esse desenho e queria que jogássemos fora, então pedi para que viessem a LA para que negociássemos: ‘Porque não cortamos só as partes que vocês mais odeiam?’. E muito disso era... bem, eles disseram que era um ‘psico-drama‘!”

John brinca:

“Disseram que as crianças morreriam de medo e que seria irresponsável da nossa parte colocar isso no ar e fazer crianças cometerem suicídio”.

Por sorte nossa John ficou firme em suas convicções e o episódio acabou indo ao ar da maneira como ele pretendia. O que aconteceu foi que tal episódio tornou-se um dos episódios de maior sucesso da série. Isso é confirmado por uma breve busca das palavras Ren e Stimpy no Youtube: a maior parte dos resultados são trechos (modificados ou não pelos usuários) deste episódio, justamente.

A trama do episódio é simples: Ren está mais mal-humorado do que de costume. Stimpy, preocupado com a felicidade do amigo, inventa uma máquina – um capacete que, ao ser colocado e acionado, obriga a pessoa que o usa a sorrir e cantar, mesmo que seja contra a própria vontade. Quando colocado na cabeça de Ren, inicia-se uma cena grotescamente hilária onde vemos o personagem lutar com todas as suas forças para não sorrir e para não cantar. É essa cena que os executivos acreditavam que ia assustar as criancinhas.

Ren luta para não sorrir em Stimpy's Invention.

São dois os erros cometidos pelos executivos: 1) achar que um desenho animado necessariamente tem crianças como público e 2) achar que crianças se assustam tão facilmente.

O grotesco nas tramas e nas imagens era a característica mais específica da série. Era diferente de tudo que havia na época, e influenciou fortemente a maior parte do que veio depois.

Comédia - Parte 1

2009-04-16T09:31:00.000-07:00

Na segunda edição da Poética de Aristóteles pela editora Ars Poetica (edição bilingue: Grego-Português, o que não faz diferença pra mim, porque pra mim grego é... grego), o prefácio, escrito por Zelia de Almeida Cardoso, diz em um certo momento:

"O próprio Aristóteles, por sua vez, no início do primeiro capítulo fala de um estudo sobre a comédia - Ausente no texto que possuímos -, voltando a dizer, no sexto capítulo, que 'da comédia trataria depois'. Esse estudo, que a posteridade lamenta ter perdido dada a importância da parte que resistiu ao tempo, deveria, possivelmente, ser o assunto do segundo livro."

No livro que 'resistiu ao tempo' Aristóteles fala muito pouco sobre a Comédia, mas o pouco que fala não é inútil.

Na Poética, Aristóteles fala sobre a literatura grega de sua época. Mas é comum utilizar seus textos para estudar outras formas de arte, como o cinema ou outros tipos de ficção audiovisual. Por isso, quando Aristóteles diz que "poesia é imitação" não é raro entender como "ficção é imitação", ainda mais quando Aristóteles distingue um texto poético de um histórico, mesmo que o texto histórico esteja escrito em versos metrificados.

Se ficção é imitação, os artistas que a realizam são os imitadores.

"Mas, como os imitadores imitam homens que praticam alguma ação, e estes, necessariamente, são indivíduos de elevada ou de baixa índole (porque a variedade dos caracteres só se encontra nessas diferenças [e, quanto a caráter, todos os homens se distinguem pelo vício e pela virtude]), necessariamente também sucederá que os poetas imitam homens melhores, piores ou iguais a nós..." (II - 7)

Partindo disso, Aristóteles separa as obras usando como base a 'índole' dos personagens. É o caráter destes que definirá o gênero da obra.

"Pois a mesma diferença separa a Tragédia da Comédia; procura, esta, imitar os homens piores, e aquela, melhores do que eles ordinariamente são." (II - 9)

Por que a Comédia imita homens piores? Porque a Comédia sempre esteve ligada a sátira. Satiriza-se aquele que tem índole mais baixa, e não mais alta, pois a mais baixa pode ser ridicularizada:

"Mas Homero, tal como foi supremo poeta no gênero sério, pois se distingue não só pela excelência como pela feição dramática das suas imitações, assim também foi o primeiro que traçou as linhas fundamentais da Comédia, dramatizando, não o vitupério, mas o ridículo."(IV - 17)

"A Comédia é, como dissemos, imitação de homens inferiores; não, todavia, quanto a toda a espécie de vícios, mas só quanto àquela parte do torpe que é ridículo. O ridículo é apenas certo defeito, torpeza anódina e inocente; que bem o demonstra, por exemplo, a máscara cômica, que, sendo feia e disforme, não tem [expressão de] dor." (V - 22)

Assim como a Commedia Dell'arte, a Comédia, segundo Aristóteles, também está ligada a máscaras 'feias e disformes', ou seja, caricaturais. Esse é, provavelmente, o motivo principal para os desenhos animados serem, hoje, um dos únicos meios onde a Comédia, pura e simples, é o gênero dominante, e não o drama ou melodrama.

Mesmo na maioria das comédias no cinema ou na ficção live-action de TV, e até mesmo nos longas de animação para o cinema, a Comédia é apenas um traço secundário. O ridículo só é tema quando há uma piada, mas no decorrer da trama o caráter dos personagens se mostra elevado e heróico. É quase como se fosse uma obrigação do cinema imitar apenas esse tipo de caráter, e poucas vezes fogem a essa regra.

Nos desenhos animados parece não haver essa 'obrigação'. Os realizadores tem a liberdade de expor o ridículo, e apenas o ridículo, de seus personagens. O Bob Esponja não precisa se mostrar, no final do episódio, como tendo um caráter mais elevado do que simplesmente um rapaz pouco inteligente, ingênuo e idiota. Esse é o atrativo da Comédia (embora eu não saiba explicar muito bem, ainda, porque isso é um atrativo).

Por que uma série de animação?

2009-04-13T09:54:00.001-07:00

A minha escolha de fazer um projeto de série de animação como TCC prático foi completamente espontânea. Eu não pensei, desde o início, numa justificativa mais 'acadêmica' para isso além de simplesmente "porque eu gosto de desenhos animados, e acho que seria divertido fazer um".

Agora, refletindo mais racionalmente, percebo que por trás dessa espontaneidade haviam razões mais concretas no meu subconsciente. Ou talvez eu apenas tenha pensado nessas razões agora para justificar uma escolha espontânea. De qualquer forma, agora posso justificar minha decisão.

Observando algumas das séries de animação que considero as melhores, percebi um padrão. Todas elas são caóticas, tem frequentemente características do grotesco e, acima de tudo, não possuem característica nenhuma do melodrama ou de qualquer outro gênero que não seja a comédia(ou, quando possuem, é para desconstruir e satirizar o gênero). Exemplos de séries assim são: As trapalhadas de Flapjack, Chowder, As Terríveis Aventuras de Billy & Mandy e, principalmente, Ren & Stimpy. Isso sem contar os antigos curtas de animação como Looney Tunes, Tom & Jerry etc.

Acho que, fazendo um projeto de animação, eu posso, melhor do que de qualquer outra forma, fazer um estudo da comédia. Talvez defender a idéia de que as séries de desenho animado são o único meio em que a comédia pode se realizar sem a muleta de outros gêneros, como o melodrama. Talvez não seja o único meio em que isso seja possível, mas é o único meio em que isso acontece, de maneira geral (posso imaginar que existem excessões, Monty Python's Flying Circus seria, eu acho, uma delas).

Tendo chegado a essa conclusão, farei, de agora em diante, um estudo sobre a comédia e espero que as afirmações aqui feitas não se verifiquem completamente falsas. De qualquer forma tenho certeza que essas pesquisas vão fazer uma grande diferença no processo de criação do projeto da série.

O desenho animado e a commedia dell'arte.

2009-03-04T09:18:00.000-08:00

Ainda no livro "O Grotesco" de Wolfgang Kayser, há um trecho que fala sobre o grotesco na commedia dell'arte. Lendo esse trecho, não pude deixar de fazer relações, na minha cabeça, com os desenhos animados.

A commedia dell'arte era uma forma de teatro popular baseado no improviso e que se opunha ao teatro erudito. No livro, Kayser diz o seguinte:

"Não é do texto, mas do tipo de representação, ou, mais estritamente, do estilo de movimentação que se apreende o caráter da 'commedia dell'arte'. E isto já significa algo, pois somos informados de que os atores eram verdadeiros artistas, que, durante um salto, deviam mostrar-se capazes de segurar de tal maneira o copo de água na mão a ponto de não derramar uma só gota..." (pag. 43).

Assim como nos desenhos animados, a arte está na movimentação e expressão visual mais do que no texto. A maneira como o Pernalonga ou o Pica-Pau fazem alguma coisa é mais importante do que a ação em si. A narrativa de um episódio de Ren & Stimpy é apenas a película que será recheada de piadas visuais, ela só serve para que as piadas não fiquem dispersas demais.

"Temos aí um indício do caminho que tomaria a acentuação ulterior das figuras, já então caricaturescas e torcidas - Pantalone é o velho caricato, sempre louvo de amor e sempre enganado; o Dottore é um fanfarrão arrogante, e sempre desmascarado, e assim por diante; tudo, num estilo excêntrico de movimento que abarcou 'toda a criação do palco'" (pag. 43).

Os personagens da commedia dell'arte, assim como os personagens do tipo de desenhos animados que pretendo estudar, são tipos. Não possuem grande profundidade dramática, mas não são menos específicos por isso. Sua especificidade vem do caricatural. A caricatura pode trazer um pouco do grotesco e "o grotesco adquire uma relação subterrânea com a nossa realidade, e um teor de 'verdade'" (pag. 31).

Mas além das semelhanças de conteúdo, há também semelhanças visuais dos personagens desses dois meios:

"O elemento 'quimérico', por seu lado, foi ainda intensificado pelo fato de os atores usarem máscaras que iam acima do nariz. O objetivo a que serviam transparece nos desenhos do genial ilustrador que a 'commedia dell'arte' conseguiu encontrar: Jacques Callot" (pag. 43).

A ilustrações de Callot sobre a commedia dell'arte possuem grandes semelhanças com desenhos animados:

Em primeiro lugar, as máscaras; Narizes enormes, óculos desproporcionais, etc. As feições dos personagens são, assim como nos desenhos animados, transformadas em caricaturas.

"As máscaras, como é facil compreender, servem de meio para aplicar aos corpos humanos algo de animalesco: surgem assim narizes enormes, embicados, aos quais corresponde um queixo pontiagudo, enquanto a cabeça desponta mais atrás, alongada, e na maioria das vezes os traços ornitóides se complementam em excrecências com formas morcegais e agitados remígios de galo" (pag. 43).

Se na commedia dell'arte os personagens eram humanos e tinham traços de animais, em desenhos animados são, muitas vezes, animais com traços humanos. Não deixa de ser uma semelhança grande.

Em segundo lugar, as poses; Em todas essas ilustrações os personagens estão em poses que seguem os princípios de: linha de ação (as poses seguem uma linha que lhes confere movimento e intenção. Quando há mais de um personagem as linhas de ação de ambos interagem, se aproximando ou se afastando, de acordo com as intenções dos personagens) e silhueta (as poses são expansivas, os membros apontam para fora da silhueta, tornando a pose fácil de ser 'lida' e compreendida).

"Os desenhos de Callot também dão a perceber o estilo calcado no movimento: por exemplo, aqui a a completa paralisação que, no momento seguinte, pode tranformar-se numa excentricidade do movimento que chega até a ponta dos dedos" (pag. 43).

Ainda sobre a commedia dell'arte e sobre o grotesco, Kayser diz:

"(...) esta fantasia, própria do artista, que se inflamou com as chocarrices da realidade, penetrou através delas e comunicou ao ânimo afim o vislumbre do mundo propriamente dito, escondido por trás da aparência burlesca" (pag. 44).

O mesmo, a meu ver, poderia ser dito de muitos desenhos animados.

Outra semelhança que vejo entre os dois meios é o improviso. É claro que, nos desenhos animados, não existe realmente o improviso como pode existir no teatro, já que a animação é um processo lento e, portanto, não espontâneo. Mas o processo de criação de um roteiro de animação pode ser, e é desejável que seja, bastante espontâneo e não baseado no texto. E é sobre isso que tentarei falar em meu próximo post.

Disney e o Genérico

2009-02-16T10:40:00.000-08:00

Para deixar mais claro o que quis dizer quando falei que os filmes e personagens da Disney são, em geral, 'bland's e 'genéricos', vou tentar explicar melhor:

A citação que usei de Kayser fala sobre a forma caricatural e como ela é mais específica do que a 'forma idealizante da beleza' das pinturas renascentistas. Mas caricatura não é sinônimo de estilização. Existem tipos de estilização e a caricatura é uma delas. Mas outros tipos de estilização podem fazer o contrário, levar para o genérico ao invés do específico. É o caso de placas de trânsito e de banheiros públicos e coisas desse tipo, que justamente precisam ser genéricas. O bonequinho da porta do banheiro não é um homem, ele é qualquer homem. Esse é o seu objetivo, e é por isso que ele tem que ser simplificado ao ponto de perder qualquer sinal de individualidade. É um símbolo gráfico, feito para ser lido tão rápido quanto uma letra. Em placas, banheiros e logotipos, isso é ótimo. Não significa que a estilização em si é genérica. O símblo gráfico, o logotipo, pode ser extremamente original e específico, mas o personagem, ou o que quer que seja que esse símbolo representa, continua sendo genérico.

Algumas imagens de personagens de desenhos animados da década de 30.

Na minha opinião um personagem de desenho animado deve parecer mais com uma caricatura do que com um símbolo gráfico. O Mickey, com seus três círculos formando a cabeça e as orelhas, é um ótimo símbolo gráfico. Mas porque fazer um personagem de desenho animado tão genérico? E o estilo também não é especialmente original, pois na época muitos personagens de desenhos animados e quadrinhos já tinham um estilo muito parecido, inclusive o Gato Félix, que é outro personagem bastante genérico, e que foi criado quase uma década antes do Mickey. Apesar de, durante a década de 20, sua aparência ter mudado um pouco, o Gato Félix já era basicamente essa mesma fórmula desde o início (com o tempo ele foi tomando as famosas 'proporções de bebê', com a cabeça do tamanho do corpo, o que deixava o personagem mais 'bonitinho').

Então o que resta de específico no Mickey ou no Gato Félix? Até suas personalidades foram criadas para serem genéricas. O que, para o Mickey (e para o Félix, em menor escala) funcionou bem, vide o sucesso que ele tem até hoje. Mas não funcionou para o mar de personagens de desenhos dos anos 30 que seguiram a mesma fórmula (do personagem bonitinho, curioso e brincalhão) e não fizeram sucesso algum. O personagm da Disney se destacou, acredito eu, porque, apesar da sua falta de sal, os desenhos da Disney sempre foram muito mais bem feitos, desde o desenho e animação até o roteiro e etc, do que a grande maioria dos concorrentes.

Nos longas, o problema que eu vejo é parecido. Apesar da qualidade indiscutível da animação e dos roteiros (se pensando na eficiência emotiva dos mesmos, mas, na minha opinião, não em originalidade de forma ou conteúdo), as histórias e os protagonistas são (quase) sempre muito genéricos.

O estilo do desenho pode variar bastante de um longa para outro, mas os personagens parecem basicamente os mesmos, apenas convertidos para o estilo do filme em questão, e com algumas pequenas diferenças na aparência e às vezes na personalidade (a mocinha pode variar entre princesa delicada e garota decidida, o mocinho varia entre príncipe encantado e rapaz atrapalhado [Mickey?], normalmente o primeiro vai com a primeira e o segundo vai com a segunda) . Cinderella tem um estilo bem diferente dos demais, assim como Hercules. Ainda assim, os personagens não são tão diferentes.

Hercules é o rapaz atrapalhado, Megara é a garota decidida.

As expressões e os gestos também não variam muito, como se tivessem se tornado símbolos gráficos, simplesmente algo que você vê e lê rapidamente. Uma certa expressão significa apaixonado, outra significa assustado, outra significa maldade, outra felicidade, tristeza, etc. Talvez isso seja um vício que deva ser evitado.

Você não fica com a impressão de já ter visto todas essas expressões milhares de vezes em milhares de personagens?

Enfim, não sou nenhum odiador da Disney. Apenas acho que, às vezes, desenhistas e animadores cultuam demais a Disney, e acabam imitando também as suas falhas, em vez de pensar quais são as virtudes e quais são os defeitos, e tentar absorver apenas as virtudes. Não é à toa que hoje temos dezenas de longas de animações - de vários países, diga-se de passagem - sendo lançados por ano e a maioria se torna fracasso de bilheteria, justamente por serem muito genéricos, e o público já está cansado de ver as mesmas coisas.

PS. Eu acho que os filmes da Pixar, em geral, não são tão genéricos, principalmente Os Incríveis e Procurando Nemo. Mas os exemplos que usei no post anterior (Vida de Inseto e Carros) eu acho, sim, extremamente genéricos, e ambos foram decepções para mim. É claro que isso é só minha opinião.

A caricatura e o específico.

2009-02-09T08:58:00.000-08:00

"Se é certo que a caricatura, com sua reprodução de uma realidade disforme e, em todo caso, nada bonita, inclusive com sua intensificação da desproporção, constituía uma autêntica força plasmadora da arte, neste caso começava a abalar-se o princípio que a reflexão sobre a arte reconhecera até então como base fundamental: o da arte como reprodução da bela natureza, ou seja, sua elevação idealizante. A caricatura fazia exatamente o contrário. Era possível, por assim dizer, interpretá-la como majoração máxima de um princípio no qual uma nova estética devia encontrar o seu centro: o do característico". (O Grotesco - Wolfgang Kayser, pg. 30)

Se essa nova estética (a da caricatura) tem seu centro no característico e nega a elevação idealizante da natureza, subentende-se que a arte como reprodução da bela natureza é, por contraposição, genérica.

Um dos temas recorrentes no Blog de John Kricfalusi é o específico. Em oposição, ele fala muito sobre como a maior parte dos personagens (e histórias, e etc.) da Disney são genéricos. O termo que o cartunista usa para descrever tais personagens é 'bland', ou seja, algo sem muito tempero, sem sal, ou, no caso, sem interesse específico. De fato, a grande maioria dos personagens da Disney (especialmente os protagonistas) são propositadamente genéricos.

O maior astro animado da Disney, Mickey Mouse, é o maior exemplo disso. Sua personalidade é feita da maneira mais genérica possível, para que garotos e garotas de todas as idades se identifiquem com ele. Ele é um rapaz alegre de nenhuma idade específica, tímido com as garotas e que gosta de uma boa diversão inofensiva. O resultado é que ninguém realmente se identifica com ele. Pernalonga é o oposto de Mickey, ele tem traços específicos, tanto de aparência como de personalidade. As histórias e as piadas dos desenhos animados do Pernalonga refletem muito melhor os sentimentos humanos. É por isso que os fãs do Pernalonga gostam de sua personalidade, enquanto os fãs do Mickey, gostam dele porque ele é bonitinho.

Os longas da Disney não são diferentes. O herói é sempre alguma variação da personalidade do Mickey (ou da falta de personalidade). É sempre um jovem cheio de sonhos. Às vezes é mais atrapalhado, às vezes é um pouco mais rebelde, mas nunca tem traços fortes o suficiente para serem considerados específicos. São sempre genéricos. A princesa é sempre a perfeição. Em alguns filmes, como na pequena sereia, O herói é a mulher e a princesa é o homem, mas as regras continuam as mesmas. Até usam variações da mesma roupa:

E se em algum desses filmes um dos protagonistas for específico demais, não tenha medo, no fim a mágica do amor vai dar cabo de qualquer traço que possa distingui-lo dos outros:

A Fera transformada em príncipe genérico.

Porque a necessidade de generalizar tanto os personagens? O público não estaria mais interessado em personagens menos perfeitos e mais específicos? Porque decidiu-se que em longas de animação os personagens devem ser genéricos? Mesmo hoje a maioria dos longas de animação são cópias genéricas do estilo Disney.

Até um filme da Disney pode ser uma cópia genérica de filmes da Disney.

E transformar os mesmos personagens em carros não torna eles mais específicos.

Mais do que simplesmente serem personagens genéricos, as expressões que eles usam são também apenas algumas poucas expressões genéricas. Note, nas imagens postadas acima, como os protagonistas de "Carros", "Bee Movie" e "Lucas, um intruso no formigueiro, estão com quase que exatamente a mesma expressão. Já em "Delgo" e em "Vida de Inseto" os protagonistas estão com uma expressão feliz ainda mais genérica. E em "Titan A.E." estão com expressões genéricas de raiva.

Expressões que digam algo mais específico sobre o que o personagem está sentindo, e mais, sobre a personalidade desse personagem, só se encontra hoje em poucos desenhos na TV:

Ren & Stimpy

As Trapalhadas de Flapjack

Bob Esponja

Mesmo os desenhos antigos, como Pica-Pau, que passavam nos cinemas, hoje são encontrados apenas na TV.

Como Aprendi a Parar de Me Preocupar e Amar a Bomba

2009-02-02T12:02:00.000-08:00

"Na verdade, o conceito do grotesco ficou arrastand0-se através dos livros de Estética como subclasse do cômico, ou, mais precisamente, do cru, baixo, burlesco, ou então, do cômico de mau gosto (...) O que é posto aqui em nossa mão é um bilhete de entrada para uma barraca de feira anual, mas não para os universos artísticos de um Keller ou Ravel, ou da dança ou... da pintura espanholas". (O grotesto - Wolfgang Kayser)

Como exemplos do Grotesco nas artes plásticas, Kayser dá exemplos como Goya e Velásquez na Espanha (que considera "o país que superou todos os outros povos no tocante ao grotesco") e os holandeses Hieronymus Bosch e Pieter Brueghel.

(Francisco Goya)

(Hieronymus Bosch)

"De fato, a arte atual evidencia uma afinidade com o grotesco, como jamais, talvez, teve qualquer outra época. Nem é preciso sequer tentar citar nomes: os romances e relatos estão cheios de crotesco; correntes na pintura o invocam expressamente em seus programas; e um dramaturgo do nível de um Dürrenmatt considera como única forma legítima da atualidade a comédia trágica e a tragicomédia, isto é, o grotesco".

Tendo lido apenas o começo do livro, o que pude entender da definição de grotesco sugerida por Kayser, é algo mais ou menos assim: uma comédia é o exagero da superfície da realidade, deixando que os detalhes mais desagradáveis desapareçam sob essa superfície, assim a representação se torna mais 'suportável', uma comédia. Mas se você exagerar não só a superfície, mas também os detalhes feios e sórdidos da realidade, você terá o grotesco. O grotesco é algo independente da comédia, mas juntos eles trabalham muito bem:

Desenhos de Basil Wolverton

Aparentemente, a estética do grotesco fez o seguinte caminho no século XX: Estava nas artes eruditas antes de aparecer no underground da cultura pop nos anos 60, e durante as últimas décadas foi se desenterrando e vendo a luz do dia na cultura pop mainstream. Nos desenhos animados ela viu a luz do sol pela primeira vez nos anos 90, com dois dos primeiros desenhos animados produzidos pela Nickelodeon; Ren & Stimpy e Aaahh!!! Real Monsters.

Aaahh!!! Real Monsters.

Ren & Stimpy

Eu não consegui encontrar nenhuma imagem realmente grotesca do Ren & Stimpy. Mas o que acho mais interessante do que simplesmente as imagens grotescas presentes nesse desenho animado, é o grotesco presente nas tramas de muitos dos episódios, em que começam só estranhamente engraçados, mas que levam muitas vezes para situações obscuras, tenebrosas e angustiantes, verdadeiramente grotescas.

O episódio que exemplifica melhor o que estou dizendo é "The Cat Who Laid The Golden Hairball". O episódio começa com Ren encontrando uma bola de pelos cuspida por Stimpy, e ficando furioso por isso. Mas logo Ren descobre que o preço das bolas de pêlo no mercado está elevadíssimo (?!) então obriga Stimpy a virar uma fábrica de bolas-de-pelo. Daí então a história fica cada vez mais perturbadora e angustiante, culminando em ataques nervosos de todos os personagens envolvidos. O grotesco aqui, é claro, é usado em favor do humor, mas o humor só vem de fato quando o grotesco é anulado. No caso desse episódio, quando a situação está no ápice do angustiante e Ren está destruído pela ganância e desesperado, ele simplesmente para, sorri, e diz algo do tipo "Bem, amiguinhos, por hoje é só! Até a próxima!", e daí que vem o humor.

E mesmo em episódios onde a trama não leve de fato para o grotesco, sempre há pequenos momentos dentro dos episódios onde o grotesco está presente, tanto nas imagens quanto no conteúdo.

É muito difícil encontrar episódios ou mesmo trechos de episódios de Ren & Stimpy na internet, por causa de direitos autorais e também por ser da década de 90, ou seja, não está 'na moda'. Então não consegui achar nada que ilustre com toda a força o que estou dizendo, mas esse trecho que o próprio John K disponibilizou na rede mostra um pouco o que estou querendo dizer:

http://www.cartoonthrills.org/blog/GeorgeLiquor/movieClips/MansBestFriend_sofa.mov

Ren & Stimpy realmente fez escola, e depois dele todos os melhores desenhos animados foram fortemente influenciados por ele. Bob Esponja, Dexter, As Trapalhadas de Flapjack e até Chowder tem um pouco do grotesco (alguns mais do que outros) presente em Ren & Stimpy, e talvez essa seja uma característica que vale a pena recuperar com a mesma força, ou talvez com força maior ainda, que havia na criação de John Kricfalusi.

Vou falar mais de Ren & Stimpy (e menos do grotesco) no próximo post.

Cenários

2009-01-23T07:58:00.000-08:00

Em um desenho animado, o que dá o clima da obra são os cenários. O estilo e as cores dos cenários é que vão definir o estilo do desenho animado. É claro que o estilo do cenário deve estar de acordo com o estilo do desenho dos personagens, mas nos cenários, por serem estáticos, existe uma margem maior para brincar com texturas, estilos de pintura, sombreamentos e etc.

Os desenhos animados dos anos 30 e 40 dos estúdios Warner Bros, MGM, Disney, etc. tinham quase sempre cenários bastante realistas. Pinturas que quase sempre retratavam os espaços e objetos de maneira pouco estilizada e o mais próximo da realidade quanto possível:

Com o passar dos anos, nota-se que o estilo dos desenhos (tanto dos personagens quanto dos cenários) foi ficando cada vez mais 'moderno' e estilizado. Nota-se isso claramente nos desenhos dirigidos por Chuck Jones nos anos 50:

As formas se tornam menos redondas. As sombras e texturas não obedecem mais exatamente a perspectiva e forma dos objetos. Às vezes nem mesmo os objetos em si respeitam a perspectiva. A pinura e as formas ficam um pouco mais chapadas, distanciando-se mais do realismo.

A partir de então, cada década estilizava um pouco mais os desenhos, deixando-os cada vez mais chapados e estilizados , ou seja, mais gráficos e menos realistas:

Vamos pular os anos 80:

Nos anos 90 Genndy Tartakovsky foi quem levou essa estilização ao nível que chegamos hoje. Tartakovsky criou O Laboratório de Dexter e trabalhou em séries como As Meninas Superpoderosas. Logo muitas séries surgiram com estéticas muito parecidas com a de Genndy.

Em 2001 Tartakovsky levou o estilo ainda um pouco além com a série Samurai Jack, que contava com uma direção de arte impressionante, e cenários extremamente detalhados e ricos em texturas ao mesmo tempo que muito gráficos e modernos:

Cenários de 'Samurai Jack'

Claramente influenciadas por esses trabalhos, séries recentes como A Mansão Foster Para Amigos Imaginários, As Trapalhadas de Flapjack e Chowder possuem cenários bastante estilizados e com trabalhos de texturas e detalhes muito interessantes:

Cenário de 'A Mansão Foster Para Amigos Imaginários'

Imagem de 'Chowder'

Imagens de 'As Trapalhadas de Flapjack'

Em especial, a direção de arte de As Trapalhadas de Flapjack chama a atenção por não ter receio de beirar o sombrio, o bizarro e até o perturbador.

Por falar em perturbador, tentarei fazer em breve um post sobre John Kricfalusi (Ren & Stimpy) e sua influência em todos os desenhos animados que surgiram depois, principalmente por suas cenas grotescas e perturbadoras.

Full Animation / Limited Animation

2008-12-05T06:31:00.000-08:00

"Full Animation" é o termo usado pra se referir a animações tradicionais de alta qualidade, que normalmente dispõem de grandes equipes e de um orçamento bem graúdo.

Por 'animações de alta qualidade' me refiro a animações onde tudo se move e os movimentos são suaves. Ou seja, animações em que para cada quadro é feito um novo desenho. No caso de uma animação para o cinema, são feitos 24 desenhos para cada segundo. Cada personagem é desenhado inteiro novamente a cada quadro, então o movimento entre uma posição e outra fica bem suave, se bem feito.

Hoje em dia, praticamente só longas de animação são feitos em full animation, como os da Disney (os de animação tradicional, pois esse tipo de termo não é usado para animação computadorizada, apesar de que filmes em computação gráfica também são, tecnicamente, full animation, já que é gerada uma imagem diferente para cada quadro).

"Alladin" - Ron Clements, John Musker (1992)

Mas antigamente, dos anos 30 até os 60, 70 ainda eram comuns os curtas feitos para o cinema, como os da Warner (Looney Tunes), da Disney, da MGM, etc.

"The Cat Concerto" - Joseph Barbera & William Hanna (1946)

Durante essa época e nesses estúdios é que viveram e trabalharam grandes nomes da animação como William Hanna, Joseph Barbera, Tex Avery, Chuck Jones, Jack Kinney, etc. É por isso que os desenhos mais antigos parecem tão mais bem animados do que os mais novos. Porque os mais novos são feitos para a TV, e por isso são feitos em animação limitada.

Por oposição à full animation, é muito fácil deduzir o que é a animação limitada. Esse tipo de animação começou a ser utilizada pela UPA (United Productions of America) nos anos 50, para fazer desenhos animados para a TV.

"Mr. Magoo", um dos primeiros desenhos da

UPA em animação limitada.

Trata-se da técnica usada para produzir animações de maneira mais rápida e, principalmente, barata. Nesse tipo de animação é usado o menor número de desenhos possível. Primeiro, a maior parte dos desenhos feitos para a TV são feitos a 12 ou 15 desenhos para cada segundo, o que já economizaria a metade do tempo e do dinheiro.

Além disso também fazem uso de loops de animação. Um personagem andando, por exemplo, pode ter apenas dois passos animados que se repetem quantas vezes for necessário.

Outra forma de economizar tempo e desenhos é animar separadamente as partes do corpo dos personagens. Enquanto o tronco é um desenho estático, os braços podem ser animados sem a necessidade de redesenhar o resto do corpo para cada quadro. O mesmo pode ser feito com qualquer outra parte do corpo, inclusive a boca:

Mais tarde, nos anos 70 e 80, os estúdios Hanna-Barbera levariam esse tipo de animação ao seu extremo. Nos anos 80 os chamados "Saturday morning cartoons" viraram o padrão de produção de animação nos EUA, o que frustrou muita gente (inclusive o animador canadense John Kricfalusi, que costuma externalizar suas fortes opiniões a respeito da animação feita nos anos 80 pelo menos uma vez por mês em seu Blog) que consideraram essa a pior década na história da animação americana, com razão:

Exemplos de desenhos não muito animados dos anos 70 e 80.

Mas isso também não significa que toda animação para a TV tenha que ser ruim e limitada ao extremo, basta haver um equilíbrio entre o quanto a animação deve ser limitada para ser barata o suficiente e quanto ela deve ser "full" para ser interessante o suficiente.

Golias

2008-12-02T08:56:00.000-08:00

Criar personagens de desenho animado é uma coisa muito divertida, mas também dá trabalho. Pra criar os personagens da "Praça...", eu e o Danilo usamos dois tipos de abordagem. Alguns personagens nós criamos primeiro visualmente, baseados em alguns esboços velhos meus, e depois é que criávamos a personalidade. Para outros fizemos o contrário, criamos primeiro a personalidade e depois, baseado nisso, eu ia desenhando várias versões dos personagens até chegar em alguma que nos deixasse satisfeitos.

Acabei descobrindo que esse segundo jeito, criando primeiro a personalidade, é muito mais difícil. Os desenhos não ficavam naturais com facilidade, e os personagens pareciam duros e sem vida, e foram precisos muitos desenhos até que chegasse em um que eu achasse razoável.

Um dos personagens que tive mais dificuldade foi o Golias. Golias é um garotinho que sofre de obesidade mórbida e tem problemas cardíacos. Não é o menino mais inteligente do mundo, se é que vocês me entendem, e está sempre feliz, correndo atrás de borboletas e coisas do tipo. E, é claro, ninguém gosta nem tem paciência com ele.

Essa era mais ou menos a descrição que tínhamos bolado para o personagem, e baseado nisso comecei a fazer os desenhos. Depois de alguns desenhos, cheguei nisso, e no momento me parecia bom. Ficou decidido que esse seria o Golias:

Depois, quando já estava quase começando a produzir de fato o desenho me dei conta de que não estava satisfeito com o resultado. Resolvi mudar um pouco a cara do garotinho. Cheguei, então, nisso:

Achei que agora estava bom o suficiente, e comecei a animação usando essa versão do Golias. Mas, como acabei descobrindo, um personagem que você só desenhou umas poucas vezes vai acabar sofrendo mudanças cada vez que você o desenhar. Não são mudanças exatamente acidentais, mas é que, instintivamente, você tende a melhorar o desenho do personagem. Quando me dei conta, o Golias já estava totalmente diferente, e muito mais simpático, na minha opinião:

O Golias definitivo

Do início.

2008-12-01T16:57:00.001-08:00

Vou usar esse blog para, basicamente, ir escrevendo textos que tenham a ver com o meu TCC, que é o projeto de animação "Praça Desembargador Peixotinho - Com Falastrão Sujo", dirigido por mim e pelo Danilo Gustavo e animado por mim. Além de texto também postarei imagens e vídeos desse projeto.

Então, pra começar, nada melhor do que o próprio Excelentíssimo Senhor Doutor Desembargador Peixotinho.

Desembargador Peixotinho

É isso aí, espero que os próximos posts sejam mais interessantes.